El movimiento artístico Ukiyo-e ha dado forma tanto al arte japonés como al occidental que vemos hoy en día.
Lo que comenzó en el siglo XVII en Japón ha llegado hasta el arte y el diseño occidentales contemporáneos. En este artículo, exploraremos cómo surgió el diseño Ukiyo-e y el propósito que tuvo al abrirse camino por todo el mundo.
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¿Qué es el Ukiyo-e?
Ukiyo-e ist eine Art von Holzschnitt und Malerei, die auf das Japan des 17. Jahrhunderts zurückgeht. Dieser neue künstlerische Stil bedeutete damals eine Abkehr von den traditionell hyperrealistischen Kunstwerken, die viele Künstler anstrebten.
Diese Entwürfe waren minimalistisch, in der Regel durch einfache Linienführung geschaffen und dann meisterhaft mit kräftigen Farben vollendet. Dieser Kontrast zwischen einfachem, konzentriertem Design und lebhaften, dramatischen Farben trägt dazu bei, das flache, zweidimensionale Design zum Leben zu erwecken.
Anstatt den Raum mit ablenkenden Details zu füllen, konzentriert sich Ukiyo-e auf ein einziges Motiv und lässt es durch die bewusste Linienführung und die Farben inmitten eines natürlichen und schönen Hintergrunds zur Geltung kommen. Auch wenn es viele Varianten gibt, so sind es doch gerade diese Komponenten, die das Design ausmachen und es von anderen Formen unterscheiden.
Bedeutung des Wortes Ukiyo-e
Das Wort ukiyo drückte ursprünglich die buddhistische Vorstellung von der Vergänglichkeit des Lebens aus. Diese eher pessimistische Vorstellung wurde während der Edo-Zeit überwunden, und das Zeichen für „schwebend“ wurde durch das Homonym „vergänglich“ ersetzt, um eine Haltung der Lebensfreude auszudrücken
Diese hedonistische Kultur, die das Leben in der „schwebenden Welt“ verherrlichte, kam besonders gut in der Produktion von Holzschnitten zum Ausdruck, die fesselnde Bilder von verführerischen Kurtisanen, aufregenden Kabuki-Darstellern und berühmten romantischen Ansichten für jeden mit etwas mehr Geld zugänglich machten. Zum ersten Mal ließen sich die Künstler von den Interessen und Vorlieben des Publikums inspirieren und gingen darauf ein.
Geschichte des Ukiyo-e
Durante el periodo Edo, llamado así porque la capital de Japón se había trasladado a Tokio (entonces llamada Edo), el país estaba gobernado por el shogunato Tokugawa. Este régimen militar imponía la segregación social haciendo hincapié en un sistema jerárquico de clases con los guerreros en la cima, seguidos por los agricultores, los artesanos y los comerciantes en la base.
El régimen también reservó ciertas zonas amuralladas en las ciudades donde se autorizaban los teatros, las casas de té y los burdeles y que llegaron a conocerse como los „distritos del placer„.
Era una época relativamente pacífica en lo interno y aislacionista en relación con el resto del mundo. Como resultado, el arte que reflejaba este estilo de vida decididamente japonés encontró un nuevo público con una clase media en ascenso. El Ukiyo-e nació como una evolución del yamato-e, en el que se enfatizaba y celebraba el nuevo estilo de vida.
Los temas de estos placeres mundanos, así como sus habitantes, como cortesanas famosas, actores de kabuki y similares, se convirtieron en la materia prima creativa preferida de los grabados ukiyo-e. Los grabados eran formas de arte popular „bajo“, creadas para la clase mercantil y la población trabajadora urbana, pero pronto llegaron a considerarse obras de arte magistrales.
Iwasa Matabei fue un conocido pintor de obras representadas en byobu durante esta época. Aunque se formó en la Escuela Kanō, los temas y estilos tradicionales japoneses de la Escuela Tosa influyeron principalmente en su obra de madurez. Sus representaciones de geishas, cortesanas que entretenían tocando instrumentos, bailando y recitando poesía clásica japonesa, así como la vida de ocio de la clase media, se convirtieron en los primeros ejemplos de la pintura ukiyo-e.
Ein anderer Künstler, Hishikawa Moronobu, gilt als der erste große Meister und Schöpfer von Ukiyo-e-Grafiken, da er 1672 mit der Herstellung von Buchillustrationen begann. Da der Farbdruck noch nicht erfunden war, waren seine Drucke hauptsächlich einfarbig, obwohl er einige davon auch handbemalt hat. Er führte die unterschiedlichen Elemente früherer Ukiyo-e-Bilder und -Sujets zusammen und formalisierte die Kunstform mit seiner aus der Kalligrafie stammenden Meisterschaft der Linie
Zu seinen Bildern gehören Straßenszenen aus dem Alltag, Bilder, die sich auf berühmte Geschichten, Gedichte oder historische Ereignisse beziehen, sowie Landschaften, Bilder schöner Frauen und erotische Grafiken. Er gilt daher sowohl als der letzte der Proto-Ukiyoyo-e-Künstler als auch als der erste echte Ukiyo-e-Künstler.
Ukiyo-e blieb im letzten Jahrhundert der Edo-Periode die dominierende Kunstform.
Die Entstehung des Ukiyo-e
Ukiyo-e hing von der Zusammenarbeit von vier Personen ab. Der Künstler zeichnete das Bild mit Tusche auf Papier, das dann von einem Handwerker in einen Holzblock geschnitzt wurde. Ein Drucker trug dann die Pigmente auf den Holzschnitt auf, und ein Verleger überwachte und koordinierte den Prozess und vermarktete die Werke
Ukiyo-e wurden in der Regel in Form von Platten hergestellt, die so billig waren, dass viele Menschen sie kaufen konnten. Sie wurden auch in Büchern gesammelt, die E-Hon genannt wurden. Manchmal konnte ein Druck aus zwei oder drei Blättern hergestellt werden, wodurch ein Triptychon-Effekt entstand
Bei den Porträts wurde ein vertikales Format verwendet, bei den Landschaften ein horizontales, aber gelegentlich wurden auch schmale vertikale Drucke angefertigt, die den Effekt einer auf Säulen oder Pfeilern angebrachten Schriftrolle erzeugten.
Suzuki Horunobu revolutionierte das Ukiyo-e, als er 1765 das Verfahren zur Herstellung von Nishiki-e oder „Brokatdrucken“ erfand, das den vollen Einsatz von Farben ermöglichte. Das Verfahren bestand darin, eine Reihe von Holzblöcken mit demselben Bild anzufertigen und dann eine einzige Farbe auf jeden Block aufzutragen, so dass die Farbe des endgültigen Drucks das Ergebnis von Pigmentschichten war
Die verwendeten Pigmente waren pflanzlich und wasserlöslich und ergaben eine subtile und reichhaltige Farbpalette. Bis zu 20 Holzblöcke, jeder mit einer anderen Farbe, konnten verwendet werden, um ein einziges Bild auf handgeschöpftem Papier zu drucken. Horunobus Werk beeinflusste unzählige Ukiyo-e-Künstler.
Gemeinsame Ukiyo-e Konzepte und Themen
Wie bei allen künstlerischen Strömungen gab es auch bei Ukiyo-e eine Reihe von Konzepten und Themen, die bei den Künstlern beliebt waren und immer wiederkehrten. Diese Themen waren:
Landschaften
Das Shogunat bzw. die Militärherrschaft der Edo-Periode verlangte von allen Feudalherren, dass sie in Tokio (Edo) residierten und ihre Zeit zwischen der Stadt und ihren Domänen aufteilten. Infolgedessen wurden fünf große Straßen gebaut, wie z. B. die Tôkaidô-Straße, die sich über mehr als 300 Meilen zwischen Tokio und Kyoto erstreckt und zu Durchgangsstraßen für Händler, Pilger und Touristen auf ihrem Weg zu berühmten Orten wurde
Diese Orte hatten oft eine historische, spirituelle Bedeutung, die von der japanischen Shinto-Religion beeinflusst war, die besagte, dass jeder Ort von einem Kami bewohnt wurde, was auf unterschiedliche Weise mit„Gott„,„Geist“ oder„göttliche Essenz“ übersetzt wurde.
Schreine zu Ehren der Kami waren in ganz Japan verbreitet. Katsushika Hokusai und Utagawa Hiroshige sind die bekanntesten Ukiyo-e-Künstler der Landschaftsmalerei. Hiroshige machte die Landschaft zu seinem Hauptanliegen, wie in seinen Dreiundfünfzig Etappen von Tôkaido (1833-1834 ) und Hundert Ansichten berühmter Orte in Edo (1856-1859 ) zu sehen ist
Hakusais Sechsunddreißig Ansichten des Berges Fuji (1830-1832) zeigen eine Vielzahl von Szenen, von Bauern auf ihren Feldern bis zu Reisenden auf einer Straße, während der allgegenwärtige und heilige Berg Fuji, der in der japanischen Kultur traditionell als das Geheimnis der Unsterblichkeit gilt, den Hintergrund beherrscht.
In dieser Sammlung befindet sich auch„Die große Welle von Kanagawa„, eines der berühmtesten Kunstwerke der Welt
Yakusha-e (Porträts von Schauspielern)
Yakusha-e, oder „Schauspieler-Bilder“, waren Drucke, die Kabuki-Schauspieler (japanisches Theater) darstellten. Sie wurden oft in losen Blättern verkauft und waren billig und als Souvenir nach einer bestimmten Theateraufführung erhältlich
Die Drucke trugen auch dazu bei, die Berühmtheit des Schauspielers zu fördern, und in Anerkennung dessen luden die Kabuki-Theaterproduktionen die Darsteller manchmal zu den Proben ein
In den frühen yakusha-e wurden die Schauspieler als Gattungen dargestellt, obwohl namhafte Meister wie Katsukawa Shunshō begannen, realistische Porträts zu schaffen. Der größte Meister des Genres, Tōshūsai Sharaku, war jedoch keiner Schule zuzuordnen, wie seine dynamischen und oft wenig schmeichelhaften Darstellungen zeigen, die das Genre im späten 18.
Kacho-ga (Vögel und Blumen)
Ein weiteres wichtiges Genre des Ukiyo-e waren die kachō-ga oder „Vögel und Blumen“-Gemälde, ein Stil, der von dem traditionellen chinesischen Genre der Blumen-, Vogel-, Fisch- und Insektenmalerei beeinflusst war
Derweiße Raum war ein wichtiges Element des Kachô-ga, was sich in der Auswahl einer einzigen Vogelart in Verbindung mit einer einzigen Pflanze widerspiegelt und darin, dass ein Großteil des umgebenden Raums als breite Farbflächen belassen wurde, um das Gefühl der Einfachheit und Harmonie der Natur zu vermitteln.
Als traditionelles Genre der Malerei verschaffte die Darstellung von Vögeln und Blumen den Ukiyo-e-Künstlern ein Gefühl der künstlerischen Authentizität und etablierte ihre Arbeit als Teil einer langen Tradition. Mehrere von ihnen, darunter Hokusai und Hiroshige, schufen solche Werke, die oft den Text eines klassischen Gedichts oder eine Anspielung auf einen historischen oder kulturellen Bezug enthalten.
Shunga
Der Begriff shunga kann im Japanischen mit „Frühlingsbilder“ übersetzt werden, da der Frühling metaphorisch für Sex steht. Der Begriff leitet sich auch von shunkyū-higi-ga ab, der japanischen Bezeichnung für die chinesischen Schriftrollen, auf denen die zwölf sexuellen Handlungen dargestellt sind, die Ausdruck von Yin und Yang sind
Der Shunga wurde zu einem beliebten Motiv, da sowohl Männer als auch Frauen die Bilder kauften, die oft in kleinen Büchern verkauft wurden. In Shunga wurden gewöhnliche Menschen, aber auch Kurtisanen dargestellt, und obwohl die Bilder überwiegend heterosexuell waren, wurden auch homosexuelle und lesbische Beziehungen abgebildet.
DasGeschlecht wurde durch eine Reihe von Konventionen geregelt; die Figuren wurden häufig bekleidet dargestellt, da dies ihre soziale Stellung kennzeichnete, und ihre Genitalien wurden übertrieben dargestellt. In Japan bedeutete der traditionelle Brauch des gemeinsamen Badens, dass die Nacktheit nicht erotisiert wurde.
Shunga konnte sowohl subtil sein, wie in Moronobus frühen Werken, in denen die Gesten des Paares oder die fließenden Linien ihrer Ärmel die erotische Begegnung heraufbeschwören, als auch so explizit, dass die Regierung während der Edo-Zeit mehrfach versuchte, die Werke als pornografisch zu verbieten oder zu zensieren.
Bijin-ga
Das Bijin-Ga, was soviel wie „Bild einer schönen Person“ bedeutet, war ein dominierendes Genre im Ukiyo-e. Während die frühen Drucke vor allem berühmte Kurtisanen darstellten, die oft als Berühmtheiten galten, porträtierten spätere Künstler wie Utamaro Frauen, die in der städtischen Bevölkerung für ihre Schönheit bekannt waren
Andere große Meister dieses Genres waren Suzuki Harunobu, Keisai Eisen, Itō Shinsui, Toyohara Chikanobu, Uemura Shōen, Isoda Koryûsai und Torii Kiyonaga.
Die Porträts spiegeln nicht nur die sich wandelnden Schönheitsvorstellungen der japanischen Kultur wider, sondern auch die Sensibilität der Künstlerin. Die Grafiken von Isoda Koryûsai aus der Mitte der 1760er Jahre stellen eher die weibliche Figur dar, während Kitao Shigemasa etwa zur gleichen Zeit die zarte Figur betont
Utamaros Figuren, die im späten 18. Jahrhundert entstanden, gehörten zu den ersten, die individualisiert wurden und die Persönlichkeit und Stimmung der Figur zum Ausdruck brachten. Statt einer idealisierten Darstellung zu folgen, entwickelte er seinen eigenen Stil, denn seine Figuren waren oft schlank, aber mit verhältnismäßig langen Köpfen, was dazu führte, dass seine Werke als ōkubi-e oder „großköpfige“ Porträts bezeichnet wurden.
Schulen des Ukiyo-e
Die meisten Ukiyo-e-Künstler lernten nicht nur bei einem bestimmten Meister, sondern nahmen auch dessen Namen an. Zwischen 1672 und 1890 entwickelten sich dreißig Ukiyo-e-Schulen, von denen jede den besonderen Stil ihres Begründers sowie mehrere Generationen späterer Künstler repräsentierte.
Torii-Schule
Die Torii-Schule begann im frühen 18. Jahrhundert mit den Werken von Torii Kiyonobu I., der ein Schüler von Moronobu war. Kiyonobu I. stammte aus einer Familie prominenter Gestalter von Kabuki-Werbematerial, und aufgrund seiner eigenen Theatererfahrung und seines Interesses leistete die Torii-Schule Pionierarbeit in Bezug auf das Thema Kabuki-Theater, das zu einem der dominierenden Themen der Ukiyo-e-Grafiken wurde
Der Stil der Schule betonte das Kabuki-Drama und seine Schauspieler mit ihren weit verbreiteten Auftritten durch kühne Designs mit dicken, energischen Linien.
Die Torii-Schule wurde zum vorherrschenden Stil der 1700er Jahre, als eine neue Generation von Künstlern in den Vordergrund trat. Die Schule war innovativ in der Verwendung von Urushi-e-Drucken, bei denen Tinte mit Leim vermischt werden konnte, um einen Lackeffekt zu erzielen, oder bei denen Glimmer oder Metallpulver hinzugefügt wurde, um eine glänzende Qualität zu erzielen. Sie erforschten auch die Benizuri-e-Drucke, „Karminrot-Drucke“ oder „Rosa-Drucke“, bei denen eine begrenzte Anzahl von Farben, oft auch Grün und Rosa, im Druckverfahren verwendet wurden.
Zu den Künstlern, die mit der Torii-Schule in Verbindung gebracht werden, gehören Suzuki Harunobo, der den Nishiki-e-Brokatdruck erfand, Kitagawa Utamaro und der Gründer Torii Kiyonaga. Alle drei Künstler waren berühmt für ihre Bijin-Ga-Drucke, die schöne Frauen darstellen.
Katsukawa-Schule
Die von Miyagawa Shunsui um 1750 gegründete Katsukawa-Schule war die erste Schule, die Kabuki-Schauspieler nicht mehr allgemein darstellte, sondern ihre individuellen Eigenschaften und Persönlichkeiten betonte. Katsukawa Shunshō war der Pionier dieser erkennbaren Porträts, die manchmal die Schauspieler in ihren Garderoben zeigen.
Die realistischere Darstellung von Menschen übertrug sich auch auf andere Genres des Ukiyo-e, wie in Katsushika Hokusais berühmten Bildern von gewöhnlichen Menschen im Alltag
Zu Beginn seiner Karriere war Hokusai unter dem Namen Shunro Mitglied der Katsukawa-Schule. Er begann jedoch, sich in seinen Grafiken innovativ mit der Perspektive und den Schattierungen der westlichen Kunst auseinanderzusetzen, was zu seinem Ausschluss von der Schule führte
Hokusai beschrieb dieses wichtige Ereignis:„Was die Entwicklung meines künstlerischen Stils wirklich motivierte, war die Verlegenheit, die ich durch Shunko erlitt. Unermüdlich und innovativ schuf er mehr als 30.000 Werke und nahm im Laufe seines langen Lebens 30 Künstlernamen an
Berühmt wurde er zunächst durch seine Manga, Bücher mit Holzschnitten seiner Skizzen, die laut dem Kunstkritiker John-Paul Stonnard „jedes erdenkliche Thema enthalten: reale und imaginäre Figuren und Tiere, Pflanzen und Naturszenen, Landschaften und Meereslandschaften, Drachen, Dichter und Gottheiten, die auf eine Weise kombiniert sind, die sich allen Versuchen entzieht, eine Geschichte um sie herum zu weben“.
Utagawa-Schule
Die Utagawa-Schule wurde von Utagawa Toyoharu in den 1760er Jahren gegründet und bestand bis in die 1850er Jahre, wom it sie praktisch die letzte große Ukiyo-e-Schule war. Toyoharu war dafür bekannt, dass er die Perspektive der westlichen Kunst in seine Drucke einbezog, wie z. B. in Perspective Paintings of Places in Japan: Sanjūsangen-dō in Kyoto (ca. 1772-1781 ), und mehrere seiner Schüler setzten diese Erforschung fort
Etwa 400-500 Künstler waren Mitglieder der Schule oder standen mit ihr in Verbindung, und die Schule schuf die meisten der bekannten Ukiyo-e-Grafiken
In der Mitte des 19. Jahrhunderts führte die enorme Produktion der Schule zu einer Art stereotyper Porträtmalerei mit Lampionnasen und etwas übertriebenen Nasen, was zu Kritik und einem Gefühl des Niedergangs des Ukiyo-e führte
Der berühmte Hokusai protestierte sogar bei seinem Verleger, dass der Holzschnittschnitzer die Nasen seiner Figuren ständig veränderte. Nichtsdestotrotz wurde die Schule die bekannteste aller Ukiyo-e-Schulen, da sie die Künstler Toyokuni und Utagawa Hiroshige umfasste
Hiroshige wurde als einer der großen Ukiyo-e-Meister aller Zeiten bekannt, der die Kunst mit seinen seriellen Ansichten von Landschaften und Alltagsszenen wiederbelebte.
Der Einfluss des Ukiyo-e auf die westliche Kunst
In Europa entstand mit dem Aufkommen des Holzschnitts in den 1850er Jahren die informelle Bewegung des Japonisme (französisch: Japonisme). Diese Begeisterung für alles Japanische hatte einen großen, fast unermesslichen Einfluss auf Künstler und künstlerische Bewegungen. James Abbot McNeill Whistler, der sowohl in der Malerei des Tonalismus als auch in der ästhetischen Bewegung führend war, wurde stark von der Verwendung von Farbe und Komposition in japanischen Drucken beeinflusst
Die meisten der großen Impressionisten wie Edgar Degas, Mary Cassatt und Claude Monet sowie die Postimpressionisten wie Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh und Paul Gauguin ließen sich von Ukiyo-e inspirieren, ebenso wie Gustav Klimt, dessen Werke zur Entwicklung des Jugendstils führten.
Die gleiche Offenheit für den Handel, die in Europa zum Japonisme führte, förderte jedoch den Niedergang des Ukiyo-e in Japan. Der Zustrom europäischer Ideen, Technologien und Kunst veränderte die Kultur radikal, und das traditionelle Ukiyo-e endete in den 1880er Jahren. Obwohl einige Künstler weiterhin in der Druckgrafik arbeiteten, war der Markt für sie verschwunden und wurde durch den Wunsch nach europäisch inspirierter Kunst ersetzt.
Im Japan des frühen 20. Jahrhunderts wurden mehrere japanische Kunstbewegungen von Ukiyo-e beeinflusst. DieNihonga, eine Schule, die die traditionelle japanische Malerei gegenüber westlich geprägten Werken hervorhebt (die so genannte Yōga-Bewegung), wurde von Ukiyo-e-Künstlern wie Kōno Bairei inspiriert. Darüber hinaus sollten die Bewegungen sōsaku-hanga und shin-hanga Elemente des Ukiyo-e wiederbeleben.
Die Sōsaku-hanga-Bewegung, die kreative Druckgrafik, begann 1904 mit der Schaffung von Kanae Yamamotos Fisherman (1904). Der Künstler verzichtete auf den traditionellen gemeinschaftlichen Prozess des Holzschnitts und zeichnete, schnitzte, druckte und veröffentlichte allein. Die Bewegung betonte diesen solitären Prozess und verband ihn mit einem modernen Verständnis von Kunst als Ausdruck von Individualität.
Im Jahr 1915 folgte die Shin-Hanga-Bewegung, die neuen Drucke. Im Gegensatz dazu kehrten die Shin-Hanga zum Vier-Personen-Ukiyo-e-Verfahren zurück und konzentrierten sich auf traditionelle Ukiyo-e-Sujets, wobei sie stark vom Impressionismus beeinflusst waren und hauptsächlich für westliche Kunsthändler und Sammler druckten. Hashiguchi Goyôs„Frau nach dem Bad“ (1915) spiegelt in seiner Darstellung eines Aktes in westlicher Tradition sowohl den Einfluss von Kitagawa Utamaro als auch von Jean-Auguste-Domique Ingres wider.
Sowohl shin-hanga als auch sōsaku-hanga wurden in den folgenden Jahrzehnten weitergeführt und zogen die nächste Generation von Künstlern an. Beide Bewegungen erlebten ein Wiederaufleben nach dem Zweiten Weltkrieg, als die Drucke während der japanischen Besetzung Japans bei den Amerikanern populär wurden.
In den 1950er Jahren wandten sich einige kreative Grafiker wie Hagiwara Hideo der Abstraktion zu, und die nächste Generation, wie Keiji Shinohara, begann, das Ukiyo-e zu überarbeiten und neu zu konzipieren. In den frühen 1980er Jahren zog Shinohara in die Vereinigten Staaten, wo er mit bekannten Künstlern wie Balthus, Chuck Close und Sean Scully zusammenarbeitete. Ukiyo-e beeinflusste auch die flachen Farben, Themen und schwarzen Umrisse der japanischen Anime und Manga
Der Begründer der Superflat-Bewegung, Takashi Murakami, wurde von den exzentrischen Malern der Edo-Zeit beeinflusst, wie seine Gemälde Durama (2011) zeigen. Auch im Westen greifen zeitgenössische Künstler weiterhin auf japanische Drucke zurück, wie der zeitgenössische britische Künstler Julian Opie über Hiroshige-Drucke sagt: „Ich benutze sie oft als Inspirationsquelle“
